Libertad, deseo y obsesión

 

 

Se pasea por Sevilla una mujer segura de sí misma, libre y atractiva. Se llama Carmen y es rubia. Anda con firmeza, se mueve con sensualidad y actúa para complacer sus deseos. Sin compromisos, sin amor, sin percatarse de las consecuencias fatales que este comportamiento provoca: obsesión, celos e incluso violencia. Se trata de un tipo de mujer  juzgada hoy y entonces en el S.XIX, cuando se publicó la novela de Mérimée.

Esta nueva interpretación de Carmen ha sido creada por el coreógrafo sueco Johan Inger, afincado en Sevilla. Como él mismo explica, decidió centrarse en la novela de Prosper Mérimée, sobre la que se basa la ópera, y dar prioridad a la figura de Don José, el protagonista que pierde la cabeza por la sensual gitana hasta el punto de cometer un crimen pasional. “Me interesó el periplo personal de Don José y no tanto mostrar la faceta de femme fatale de Carmen”.

Un niño vestido de blanco es el testigo, la mirada inocente e hilo conductor de esta historia. Los bailarines se mueven con precisión, interpretan peleas callejeras y pliés en sexta posición muestran toda la sensualidad de las cigarreras. Don José huye de la obsesión mediante carreras sobre un mismo punto del escenario que proyectan miedo, mientras que un espejo recrea la soberbia y la vanidad del torero amante. Carmen, interpretada por la bailarina Emilía Gisladöttir, baila con una técnica sublime sobre media punta, con movimientos que recuerdan a una gata en celo.

La escenografía, basada en prismas móviles, recrea una atmósfera de humo y malentendidos; y el vestuario resulta sobrio y actual. Los militares casi parecen ejecutivos, el torero una estrella de rock, y las cigarreras son unas flamencas más francesas que raciales, con mucho estilo.

Resulta en suma un trabajo de alto nivel por parte de todos los miebros de la CND, una versión contemporánea, que huye de tópicos. Una reinterpretación que cautiva y levanta a un público entusiasmado por la danza.

 

Compañía Nacional de Danza

Director: José Carlos Martínez

Teatro Lope de Vega, Sevilla

23 de Abril

Coreografía: Johan Inger

Música: Rodion Shchedrin y Georges Bizet
Vestuario: David Delfín
Escenografía: Curt Allen Wilmer (AAPEE)

Duración: 1h. 30min. (Ballet en dos actos)

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Trazos de ritmo español

‘Sorolla’ es un homenaje a la danza española, un viaje por los bailes regionales de nuestro país a través de la luz del pintor valenciano.

 

 

Poético, sutil, colorista y enérgico. ‘Sorolla’ resulta una obra que se aleja de las rancias represtaciones de la escuela bolera y pone el acento en la riqueza y dificultad de las distintas danzas regionales de la Península.

 

Se trata de un viaje costumbrista y romántico por la España de 1911: Castilla, Aragón, Navarra, Gipuzkoa, Sevilla, Galicia, Cataluña, Valencia, Extremadura, Elche y Ayamonte. El Ballet Nacional de España (BNE ) baila con acierto el folclore de estas regiones a través de coreografías creadas por Arantxa Carmona, Miguel Fuente, Manuel Liñán y el director del BNE, Antonio Najarro.

 

El montaje está inspirado en la colección ‘Visión de España’ compuesta por 14 cuadros de gran formato que la Hispanic Society de Nueva York encargó expresamente a Sorolla en 1911 para mostrarlos en la gran biblioteca de la sede de la institución.

 

El BNE plasma de manera muy poética estas escenas y el rico folclore de nuestro país, no sólo representado por el flamenco, el género más conocido a nivel internacional, pero no por ello el que requiere una mayor dificultad de ejecución. A lo largo de toda la pieza se suceden, de manera armoniosa y actual,  muñeiras, jotas, aurreskus o fandangos.

 

También resultó un acierto la escenografía presidida por un gran marco de un lienzo sobre el que se iban proyectando secuencias que rememoraban de forma metafórica las distintas obras de esta colección. La bailarina Aloña Alonso fue la encargada de dar vida, con una firme delicadeza clásica, a ‘Cosiendo la vela’, pieza introductoria del espectáculo, través del juego y baile hetéreo con una gran sábana blanca que bañanaba todo el escenario.

El vestuario de esta pieza, responsabilidad de Nicolás Vaudelet, es otro de los intrumentos con los que el BNE puso en escena  la obra pictórica de Sorolla. Resultan trajes fieles a la tradición, y  al tiempo actuales por sus tonos y tejidos, que recordaban la luminosidad de los cuadros del artista valenciano y hacían soñar que los bailarines saltaban del lienzo al escenario.

El elenco de bailarines destacó por su fuerza muscular, su experimentada técnica y la elegante ejecución sobre el escenario, tanto en la versión más clásica y delicada de cada género,  como en el desgarro y pasión de las piezas que lo requerían, especialmente el plato fuerte final ‘El Baile’, orquestado por todos los miembros de la compañía y protagonizado por la gran Esther Jurado, bailarina y bailaora de brazos infinitos, fibrosos y drámáticos.

En suma, se trata de una secuencia bien hilada y trenzada de piezas que navegan con soltura al ritmo de la técnica pictórica y dancística de nuestra tierra. Trazos de luz, de danza, de poesía bailada.

‘Sorolla’

Ballet Nacional de España

6 de marzo, Teatro de la Maestranza

Director Artístico, Antonio Najarro

Tragedia por amor

Escenas urbanas, peleas callejeras en clave de musical y el clasicismo de un ballet con puntas contaron el sábado una historia de amor verdadero con un desenlace fatal.

Un año más, el Teatro de la Maestranza de Sevilla ha estrenado año bailando. Esta vez, la compañía alemana de Aalto Ballet Essen puso en escena ‘Romeo y Julieta’, un ballet clásico con matices muy contemporáneos y guiños al cine de la gran West Side Story. Todo ello, con una profusión de técnica sublime y una representación dramática digna del célebre Shakespeare.

La Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS) actuó en vivo en el foso del Teatro, para una armónica ejecución de Romeo y Julieta con partitura de Serguei Prokofiev y coreografía de Ben  Van  Cauwenbergh, director artístico del Ballet, coreógrafo y bailarín.

Tal y como recoge el programa del ballet “El Aalto Ballet Essen es una de las casas de danza alemanas con mayor prestigio internacional por la variedad y calidad de sus producciones. La compañía, formada por unos 30 bailarines procedentes de 17 países del mundo, muestra una variedad de acentos y personalidades dancísticas que encarnan su voluntad de cosmopolitismo”.

Durante la representación, destacó la calidad técnica de los bailarines, tanto femeninos como masculinos. Y de todos, me quedo con la protagonista, menuda y elegante, coqueta y añiñada, esbelta y etérea.

Una de las piezas más aplaudidas fue el paso a tres entre Julieta, el sacerdote Fray Lorenzo y Romeo, que realizaron antes de la boda clandestina.

El delicado vestuario casó a la perfección con una acertada escenografía, sobria y funcional, bañada con una luz tenue que acentuaba el ritmo melódico de la obra.

Un privilegio empezar el año bailando con pasión, enlazando piqués develópes, fouettes, attitudes… muriendo por amor.

ROMEO Y JULIETA.

Aalto Ballett Essen.

Director artístico y coreográfico: Ben Van Cauwenbergh.

Música: Sergei Prokofiev.

Real Orquesta Sinfónica de Sevilla.

Intérpretes principales: Breno Bittencourt, Yanelis Rodríguez, Davit Jeyranyan, Moisés León Noiega, Wataru Shimizu, Yusiemy Herrera León, Nwarin Gad, Denis Untila.

Lugar: Teatro de la Maestranza

Fecha: Sábado, 9 de enero.

Sevilla se mueve

… Y no sólo a ritmo de Sevillanas…

Una nueva edición Escena Mobil está a punto de levantar el telón. El Teatro Alameda será de nuevo el espacio de esta muetra organizada en tres días de representaciones en los que el concepto arte es la piedra angular: “Las artes plásticas toman cuerpo como otro caudal emprendido hace unos años, y se confirma de nuevo como aislante de corrientes venidas desde distantes puntos del mundo (Reino Unido, Argentina y Rusia) aunando en Sevilla un universo plástico que acerca la belleza estética transformada por personas con discapacidad”.

Además de la escena y de performances en la calle, este Festival otorga un especial protagonismo a la formación:  talleres de percusión, clown, musicoterapia, danza, escenografía, teatro y audiovisuales. Toda la información de este Festival la tenéis en este enlace.

Creatividad, culturas, movimiento y reflexión se dan la mano para abrazar Sevilla. ¡Genial!

Esencia flamenca para una ópera bailada

Versión operística de “El público, drama confesional, delirante y misterioso” de Federico García Lorca

Estreno mundial el 24 de febrero

Teatro Real

Compositor Mauricio Sotelo

Cantaores Arcángel y Jesús Méndez

Bailaor Rubén Olmo

Cañizares, en la guitarra y Agustín Diassera, en la percusión

Dirección musical de Pablo-Heras Casado

Hoy mi post no es más que un consejo, una recomendación para “Madrid la nuit” de mañana martes, 24 de febrero. Lírica, danza, sueños y drama asegurarán una gran noche para el estreno de la ópera El Público en el Teatro Real. Mauricio Sotelo (Madrid, 1961) es el compositor y padre de la ópera El Público, un encargo de Gerard Mortier para el Teatro Real de Madrid, cuyo estreno sea mañana. Cuenta con libreto del escritor y músico Andrés Ibáñez, muy fiel a la esencia del drama de García Lorca (1898-1936) escrita en 1930 en Cuba, después del transcendente viaje que el poeta granadino realizó a Nueva York, en un período de profunda crisis emocional y efervescencia creativa.

Se trata de una ópera que acompasa la música contemporánea con el flamenco, que queda patente de la mano de los músicos Arcángel, Jesús Méndez y el gran bailaor Rubén Olmo (Sevilla, 1980).

Yo no podré estar. A los que os sea posible, no dejéis de hacerlo por favor.  ¿Un capricho mejor para un martes?

Un dulde sueño de Navidad

Un gran reino de golosinas, una invasión de ratones gigantes, el vuelo en un trineo… Los sueños infantiles son fantasías que perduran en nuestra memoria para siempre. Obras como El Cascanueces nos hacen recordarlos y evocar a ese pequeño que aún vive en nosotros. Se trata de  un cuento de Navidad que recorre este viaje encantado entre soldaditos de juguetes, hadas y danzas mágicas.

El Ballet Nacional de Estonia ha versionado en el tradicional ballet de Navidad del Teatro de la Maestranza de Sevilla esta pieza clásica,  con la dirección artística de Thomas Edur, bailarín y responsable del Ballet Nacional de Estonia, desde 2009. El Cascanueces es una obra musical de Chaikovski -ejecutada por la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla-,  coreografía original de Lev Ivanov y libreto de Marius Petipa, basada en el cuento de hadas de Hofman y Alexandre Dumas.

La ejecución limpia, delicada y precisa de los bailarines, sobre todo de las intérpretes femeninas, estuvo enriquecida por la profusión de detalles de la escenografía, presidida por un gigantesco árbol de Navidad, y un cuidado vestuario.

El paso a dos del Hada de Azúcar y el Príncipe Cascanueces fue de los más aplaudidos por su ejecución exacta  y delicada en los giros y la altura de los saltos y jetés.

Como todos los cuentos, la obra tiene un final feliz. La joven protagonista Clara se despierta en la cama porque todo ha sido un dulce sueño de Navidad y el Príncipe saluda a su princesa. Es un placer soñar que bailo para celebrar el estreno de 2015.

El Cascanueces

Ballet Nacional de Estonia

Teatro de la Maestranza de Sevilla

11 de enero de 2015

La seducción del espacio

Crónica El Soberao

Bailarines: Raquel Madrid y Arturo Parrilla

Música: Emilio Parrilla y Yoojink

Puerta de Jerez

Mes de Danza de Sevilla, 1 de noviembre de 2014

Fotografía: Luis Castilla, Mes de Danza

Es un soleado día de un cálido otoño, 1 de noviembre. La segunda jornada del Ciclo Danza en Espacios Singulares comienza con la pieza El Soberao, protagonizada por Raquel Madrid y Arturo Parrilla en la Puerta Jerez de Sevilla.

Entre los espectadores, algunos son fieles a esta cita anual de baile contemporáneo y acuden al encuentro con programa en mano; otros, sin embargo, son familias con niños y turistas que, en su paseo matutino del sábado, encuentran por sorpresa la instalación de una escultura y la recreación de una coreografía de baile en un escenario seductor y poco convencional para este arte.

Comienza la obra con la entrada en escena de Raquel Madrid (intérprete y coreógrafa sevillana que desarrolla su trabajo desde hace más de una década como freelance para diversas compañías) que, con movimientos que sugieren olas y desequilibrios sobre los tobillos, abre un libro vacío de color negro. Después aparece Arturo Parrilla (actor con una línea de trabajo vinculada al teatro gestual y la danza contemporánea) que, con una expresión más infantil e ingenua, vuelve a abrir otra página del mismo libro. En esta ocasión, la página despliega una maqueta en miniatura similar a la que preside en grande la acera. Se trata de una figura geométrica, eje central de la escenografía creada por el padre de Arturo,  Emilio Parrilla. Con sus vigas de madera, recrea espacios virtuales e imaginarios, como una ventana a través de la que se asoman los bailarines. Lo hacen de manera individual, con una ejecución precisa de movimientos verticales. También con pasos a dos, que rozan la coquetería y seducción, a veces, y en otras, la agresividad.

Concentración e intimidad son las sensaciones que se respiran en el transcurso de la obra; sólo el llanto de un niño espectador hace olvidar por un momento que el espacio escénico no es una sala de teatro, sino esta plaza tan concurrida de Sevilla.

Tras 30 minutos del desarrollo de esta historia multidisciplinar de tres intérpretes, dos bailarines y una escultura, la pieza concluye con la decisión de Arturo Parrilla de quemar la maqueta en miniatura del libro que vuelve a cerrar. Todos los asistentes: amantes de la danza, mayores, niños, e incluso ciudadanos que asisten por primera vez a un espectáculo de danza contemporánea, aplauden con entusiasmo y cantan el cumpleaños feliz a Raquel Madrid en la entrega de un ramo de flores por los responsables de Mes de Danza. Como si ya todos formasen parte de la intimidad de este proyecto creativo