#SalvemoslaDanza

Fuente: Zara

El ballet está de moda y más si se lo propone Amancio Ortega.  Zara ha lanzado una línea de ropa de ballet para niñas para la temporada de otoño 2019 con la que invita a bailar sin límites, a disfrutar de la música, a que los papás matriculen a sus pequeñas a clases extraescolares de baile desde los 4 y 5 años. No me puede gustar más.

Sin embargo, seguimos comprobando que detrás de lo ñoño y bello, de la delicadeza, del postureo y la estética efímera de tules y zapatillas con citas, la danza en España continúa siendo “la más pobre y relegada de las artes, dejada de la mano de las circunstancias más adversas”. En España no hay tradición de ballet, ni se da valor a la música y la danza en los colegios, quizás esté por venir.  “La danza tiene sus propios héroes, los que arman su historia y aportan su dibujo tanto en el espacio teatral como en la vida”.

Víctor Ullate, bailarín, coreógrafo y maestro es uno de estos héroes. Es leyenda viva de la danza en España. Maestro de la generación de bailarines más importante de todos los tiempos y que actualmente desempeñan su actividad como creadores o directores de los ballets más prestigiosos del mundo, ejemplos de tenacidad, esfuerzo, disciplina e interpretación. Entre muchos, Joaquín de Luz, director de la Compañía Nacional de Danza en nuestro país; Tamara Rojo, directora del English National Ballet de Londres; Igor Yebra; Lucía Lacarra…y un largo etcétera.  Parece mentira que Londres o París retengan nuestro talento, como en muchos otros oficios.

El pasado miércoles, 2 de octubre, Ullate comunicó el cierre de su compañía por “inviabilidad económica”. Sea por falta de ayudas extraordinarias, subvenciones o mala gestión del propio ballet, no podemos/deberíamos dejar que sucediese. No dejemos morir tantos años de esfuerzo, éxitos de público y crítica. No dejemos caer parte de la marca España, de la que tanto se habla, con los mejores creadores y bailarines, sólo reconocidos en otros países de Europa e incluso del mundo.

Quién haya visto Samsara, quien haya soñado con los 32 fouttés de Tamara Rojo en el papel de Kitri de Don Quijote, tiene que reivindicar el patrimonio inmaterial de la danza en España, para que continúe siendo referente aquí  y fuera,  y siga escribiendo versos en el escenario, conmoviendo con la narrativa del alma y la plasticidad del cuerpo.

 

 

 

 

 

 

 

ODA A BAILAR

“Para nosotros bailar es liberar, soltar, agarrar, crecer, acurrucarse, volar, pasear, arrastrarse, no parar…valorar, aprender, callar, gritar, pero sobre todo, sentir, sentir lo que haces, sentir dónde estás, sentir la música o el silencio, cada milímetro de tu cuerpo, sentir a los demás…es libertad, libertad plena, paz, placer, conexión con el todo y es olvidarme de que estoy cansado cuando lo estoy”. El baile desordenado y discotequero de un grupo de personas en el centro de la pista del Teatro Alameda daba paso a estas palabras proyectadas sobre el escenario el pasado domingo 28 de octubre en una fría noche de otoño.

Era el preámbulo de “Sweet fever”, una pieza con ejecución de una única frase coreográfica,  en la que durante una hora de número coral hubo lugar para más significados del verbo bailar, con fuerza e insistencia.

Esta pieza resultó una auténtica fiesta, en la que todo el público presente terminamos marcando los pasos repetidos, con energía y éxtasis, a veces, con desgana y cansancio, en otras.

El creador multidisciplinar Pere Faura (Barcelona, 1980),  nos devuelve con “Sweet Fever” al mundo disco de los 70 para hacernos vibrar al ritmo de Tony Manero. La famosa coreografía de “Fiebre del Sábado Noche” fue ejecutada, versionada y transformada a lo largo de 60 minutos por un numeroso grupo de voluntarios, entre los que se encontraban alumnos del Conservatorio de Danza, de la Escuela Superior de Arte Dramático de Sevilla e incluso por María González, directa de Mes de Danza, que quiso unirse a esta celebración formando parte del cuerpo de baile compartiendo esta reflexión experimental.

Durante la hora, el grupo vivió un proceso de pseudocatársis colectiva, en la que se entremezcló el puro goce de bailar con una narración política ácida y crítica. Una reflexión en la que también hubo cabida a algunas críticas como el excesivo consumo de plástico y de agua, de una manera más superflua; así como la búsqueda constante de abandono y felicidad instantánea en la sociedad actual, de un modo más profundo.

Como escenografía básica, el juego de luces y el vídeo tienen un papel protagonista en esta fiesta del baile que transformaron el Teatro Alameda en una auténtica discoteca, en la que se busca la contemplación del cuerpo eufórico que baila contento y exhausto al mismo tiempo.  En suma, una reivindicación del baile en grupo, en todos sus modos y contextos socioculturales . Carteles con los lemas “Yes, we dance”, “Bailar o no ser, esa es la cuestión”, o “Liberté, Egalité, Beyoncé”, así lo clamaban.

Idea y dirección: Pere Faura

Intérpretes: Claudia SolWat, Miquel Fiol + cuerpo de baile voluntario

DJ en directo: Amaranta Velarde

Diseño espacio: Jordi Queralt Iluminación y dirección técnica: Sergio Roca Saiz

Vídeo: Joan Escofet Producción: Blanc_Produccions Distribución: Art Republic

CELEBREMOS LA VIDA

Más de medio año sin escribir sobre danza, sin iniciar sesión en mi blog. Tan sólo hace un mes, con motivo de la Bienal de Flamenco de Sevilla, estuve a punto de hacerlo pero no me atreví. Siento añoranza de mis clases de baile en Madrid, admiración por artistas que fueron compañeros en el Conservatorio, y no me atreví.

Pero hoy parto de cero, como un coreógrafo ante el reto de su obra en blanco, hoy comienza la cuenta atrás para una nueva edición de Mes de Danza (del 28 de octubre al 11 de noviembre) una muestra y punto de encuentro de coreógrafos, bailarines y público que alcanza la madurez de los 25 años con valentía y nos  invita a todos a bailar sin miedos, sin añoranza o con ella, pero a bailar. Cualquier excusa es buena para lanzarnos a un ‘Fiebre del sábado noche’, a bailar las calles o a sentarnos como espectador inquieto.

Merece la pena contagiarnos del movimiento, respirar música, crear, soñar. Porque “la danza es CREACIÓN, RITMO, POTENCIA, ENERGÍA, FUERZA, MOVIMIENTO, CUERPO, INTERMCAMBIO, COMUNICACIÓN, BÚSQUEDA, IMAGINACIÓN, MEMORIA, BELLEZA…la danza en VIDA”

En el spot promocional de la edición 25 de Mes de Danza se ha realizado un breve recorrido por las decenas de creadores que han pasado por el festival en este cuarto de siglo.

“Un guiño a la nostalgia pero cargado de energía y de amor; amor por la danza y por todo lo que es y representa. Inspirados en las reflexiones y definiciones de profesionales tan diversos como María Muñoz, Alfonso Becerra, Caria Maxwell, Daniel Abreu, Roser López, Isadora Duncan o Martha Graham, y en el concepto narrativo “La Danza es” que lanzó la periodista especializada Mercedes L. Caballero con motivo del Día Internacional de la Danza 2018, La Buena Estrella Audiovisuales une imágenes de MES DE DANZA de muy diversas ediciones, con conceptos como impulso, energía, memoria, intercambio o belleza para sintetizar en apenas 40 segundos la idea que mueve MES DE DANZA desde sus comienzos: La Danza es Vida”.

¡Vamos a celebrarlo!.

http://www.mesdedanza.es

“A bailar, a bailar… alegres sevillanas”

A poco más de 24 horas de la noche del “Pescaíto”, me siento con Pilar Beltrán para hablar de las sevillanas, ese baile en el que todo el de aquí (provincia de Sevilla) más o menos se defiende, muchos improvisan y a los foráneos les gustar aprender o perfeccionar.

Pilar fue mi maestra durante más de cuatro años. Con ella aprendí mucho, mucho más que a bailar. Éstas son unas pinceladas y curiosidades que nos descubre acerca del baile estrella de los próximos días en la capital hispalense.

Antecedentes

El origen de las sevillanas se remonta a los años previos a los Reyes Católicos, Fernando de Aragón e Isabel de Castilla, y eran conocidas como “seguidillas castellanas”. Más tarde se aflamencaron

Diferentes estilos

Corraleras, boleras, de Lebrija, aflamencadas…

Folclore andaluz

Más que un palo del flamenco forman parte del folclore andaluz junto con los verdiales, fandangos y boleros de Jaén

En cuánto tiempo puede aprenderse el baile de las cuatro sevillanas

Aprender la base bien unos 3 o 4 meses

Si bailamos sevillanas…

La sevillanas, como todo el flamenco y danza española, nos aporta salud, bienestar físico y mental y al  ser una actividad social ayuda al ánimo, nos ayuda a hacer nuevas amistades , risas, en general bienestar pues es un ejercicio saludable y completo, lleno de ventajas.

¿Nos ayudas?

En mi escuela (Madrid) tenemos cursos regulares de septiembre a mayo q engloba la base en los 4 primeros meses y luego un perfeccionamiento hasta el final del curso donde ya se enseña una técnica de flamenco básico , variaciones y se  aflamencan y se perfeccionan sobretodo el torso, brazos y manos que es lo más difícil.

Escuela de Danza de Pilar Beltrán

C/de las Carolinas,4 (Semiesquina a calle Bravo Murillo, 151)

Imagen @visitasevilla

Libertad, deseo y obsesión

 

 

Se pasea por Sevilla una mujer segura de sí misma, libre y atractiva. Se llama Carmen y es rubia. Anda con firmeza, se mueve con sensualidad y actúa para complacer sus deseos. Sin compromisos, sin amor, sin percatarse de las consecuencias fatales que este comportamiento provoca: obsesión, celos e incluso violencia. Se trata de un tipo de mujer  juzgada hoy y entonces en el S.XIX, cuando se publicó la novela de Mérimée.

Esta nueva interpretación de Carmen ha sido creada por el coreógrafo sueco Johan Inger, afincado en Sevilla. Como él mismo explica, decidió centrarse en la novela de Prosper Mérimée, sobre la que se basa la ópera, y dar prioridad a la figura de Don José, el protagonista que pierde la cabeza por la sensual gitana hasta el punto de cometer un crimen pasional. “Me interesó el periplo personal de Don José y no tanto mostrar la faceta de femme fatale de Carmen”.

Un niño vestido de blanco es el testigo, la mirada inocente e hilo conductor de esta historia. Los bailarines se mueven con precisión, interpretan peleas callejeras y pliés en sexta posición muestran toda la sensualidad de las cigarreras. Don José huye de la obsesión mediante carreras sobre un mismo punto del escenario que proyectan miedo, mientras que un espejo recrea la soberbia y la vanidad del torero amante. Carmen, interpretada por la bailarina Emilía Gisladöttir, baila con una técnica sublime sobre media punta, con movimientos que recuerdan a una gata en celo.

La escenografía, basada en prismas móviles, recrea una atmósfera de humo y malentendidos; y el vestuario resulta sobrio y actual. Los militares casi parecen ejecutivos, el torero una estrella de rock, y las cigarreras son unas flamencas más francesas que raciales, con mucho estilo.

Resulta en suma un trabajo de alto nivel por parte de todos los miebros de la CND, una versión contemporánea, que huye de tópicos. Una reinterpretación que cautiva y levanta a un público entusiasmado por la danza.

 

Compañía Nacional de Danza

Director: José Carlos Martínez

Teatro Lope de Vega, Sevilla

23 de Abril

Coreografía: Johan Inger

Música: Rodion Shchedrin y Georges Bizet
Vestuario: David Delfín
Escenografía: Curt Allen Wilmer (AAPEE)

Duración: 1h. 30min. (Ballet en dos actos)

Trazos de ritmo español

‘Sorolla’ es un homenaje a la danza española, un viaje por los bailes regionales de nuestro país a través de la luz del pintor valenciano.

 

 

Poético, sutil, colorista y enérgico. ‘Sorolla’ resulta una obra que se aleja de las rancias represtaciones de la escuela bolera y pone el acento en la riqueza y dificultad de las distintas danzas regionales de la Península.

 

Se trata de un viaje costumbrista y romántico por la España de 1911: Castilla, Aragón, Navarra, Gipuzkoa, Sevilla, Galicia, Cataluña, Valencia, Extremadura, Elche y Ayamonte. El Ballet Nacional de España (BNE ) baila con acierto el folclore de estas regiones a través de coreografías creadas por Arantxa Carmona, Miguel Fuente, Manuel Liñán y el director del BNE, Antonio Najarro.

 

El montaje está inspirado en la colección ‘Visión de España’ compuesta por 14 cuadros de gran formato que la Hispanic Society de Nueva York encargó expresamente a Sorolla en 1911 para mostrarlos en la gran biblioteca de la sede de la institución.

 

El BNE plasma de manera muy poética estas escenas y el rico folclore de nuestro país, no sólo representado por el flamenco, el género más conocido a nivel internacional, pero no por ello el que requiere una mayor dificultad de ejecución. A lo largo de toda la pieza se suceden, de manera armoniosa y actual,  muñeiras, jotas, aurreskus o fandangos.

 

También resultó un acierto la escenografía presidida por un gran marco de un lienzo sobre el que se iban proyectando secuencias que rememoraban de forma metafórica las distintas obras de esta colección. La bailarina Aloña Alonso fue la encargada de dar vida, con una firme delicadeza clásica, a ‘Cosiendo la vela’, pieza introductoria del espectáculo, través del juego y baile hetéreo con una gran sábana blanca que bañanaba todo el escenario.

El vestuario de esta pieza, responsabilidad de Nicolás Vaudelet, es otro de los intrumentos con los que el BNE puso en escena  la obra pictórica de Sorolla. Resultan trajes fieles a la tradición, y  al tiempo actuales por sus tonos y tejidos, que recordaban la luminosidad de los cuadros del artista valenciano y hacían soñar que los bailarines saltaban del lienzo al escenario.

El elenco de bailarines destacó por su fuerza muscular, su experimentada técnica y la elegante ejecución sobre el escenario, tanto en la versión más clásica y delicada de cada género,  como en el desgarro y pasión de las piezas que lo requerían, especialmente el plato fuerte final ‘El Baile’, orquestado por todos los miembros de la compañía y protagonizado por la gran Esther Jurado, bailarina y bailaora de brazos infinitos, fibrosos y drámáticos.

En suma, se trata de una secuencia bien hilada y trenzada de piezas que navegan con soltura al ritmo de la técnica pictórica y dancística de nuestra tierra. Trazos de luz, de danza, de poesía bailada.

‘Sorolla’

Ballet Nacional de España

6 de marzo, Teatro de la Maestranza

Director Artístico, Antonio Najarro

Tragedia por amor

Escenas urbanas, peleas callejeras en clave de musical y el clasicismo de un ballet con puntas contaron el sábado una historia de amor verdadero con un desenlace fatal.

Un año más, el Teatro de la Maestranza de Sevilla ha estrenado año bailando. Esta vez, la compañía alemana de Aalto Ballet Essen puso en escena ‘Romeo y Julieta’, un ballet clásico con matices muy contemporáneos y guiños al cine de la gran West Side Story. Todo ello, con una profusión de técnica sublime y una representación dramática digna del célebre Shakespeare.

La Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS) actuó en vivo en el foso del Teatro, para una armónica ejecución de Romeo y Julieta con partitura de Serguei Prokofiev y coreografía de Ben  Van  Cauwenbergh, director artístico del Ballet, coreógrafo y bailarín.

Tal y como recoge el programa del ballet “El Aalto Ballet Essen es una de las casas de danza alemanas con mayor prestigio internacional por la variedad y calidad de sus producciones. La compañía, formada por unos 30 bailarines procedentes de 17 países del mundo, muestra una variedad de acentos y personalidades dancísticas que encarnan su voluntad de cosmopolitismo”.

Durante la representación, destacó la calidad técnica de los bailarines, tanto femeninos como masculinos. Y de todos, me quedo con la protagonista, menuda y elegante, coqueta y añiñada, esbelta y etérea.

Una de las piezas más aplaudidas fue el paso a tres entre Julieta, el sacerdote Fray Lorenzo y Romeo, que realizaron antes de la boda clandestina.

El delicado vestuario casó a la perfección con una acertada escenografía, sobria y funcional, bañada con una luz tenue que acentuaba el ritmo melódico de la obra.

Un privilegio empezar el año bailando con pasión, enlazando piqués develópes, fouettes, attitudes… muriendo por amor.

ROMEO Y JULIETA.

Aalto Ballett Essen.

Director artístico y coreográfico: Ben Van Cauwenbergh.

Música: Sergei Prokofiev.

Real Orquesta Sinfónica de Sevilla.

Intérpretes principales: Breno Bittencourt, Yanelis Rodríguez, Davit Jeyranyan, Moisés León Noiega, Wataru Shimizu, Yusiemy Herrera León, Nwarin Gad, Denis Untila.

Lugar: Teatro de la Maestranza

Fecha: Sábado, 9 de enero.